麥聖希 - 麥聖希
2015-03-17

 《公投飯票》的故事發生在比利時一個海邊小鎭,看似鞭長莫及,但主人翁的故事,卻天天發生在我們的社會中。企業要裁員,你、我和他都可能成為賺到盡的經濟發展原則犧牲品,至少導演的創作靈感就來自法國一家工廠的實例,再加上類似事件在比利時、美國和意大利等國家比比皆是,太陽底下已無新事了。 《公》片中,兩子之母珊迪娜(瑪莉安歌迪娜飾)病假後復工便要面對惡耗——工廠老闆發現,只要同事加班便可分擔她的工作,工廠仍能照常運作,亦即是話珊迪娜的存在是多餘的。晴天霹靂之際,老闆更早已安排了一個「民主」方案,叫16位員工投票,選擇珊迪娜留低,還是要1,000歐元的償金;而投票結果是:14位揀償金,2位揀珊迪娜,後者大比數落敗。為保飯碗,她成功爭取一次翻身機會,老闆同意在星期一再次投票,而時值星期五,於是她的去向便全繫於這個周末的兩日一夜(即英文片名"Two Days, One Night"),在有限時間內,她要登門造訪這16位同事,遊說他們揀自己而放棄償金。 無需道德判斷 很明顯,這樣的甜頭有誰願意放棄?走訪當中自然見盡人情冷暖,家家有本難唸的經,有的要靠償金替女兒交學費,有的與丈夫分居需要錢傍身,也有人要添購家具,總之各有各苦衷。儘管珊迪娜經歷多少次失望而回,但導演戴丹兄弟沒有簡單地將他們妖魔化、將黑白善惡二元劃分,一如他們的電影,沒有在道德天秤上妄下斷語,人性只是人性,沒有好壞,面對逆境,看到更多的是人性本善,人際間的團結與扶持。珊迪娜的角色也不是要觀眾同情,正如她在遊說同事時說:「不要同情我,你代入我的角色去想吧。」的而且確,資本主義最可怕的就是,今日珊迪娜可以輕易被取替,難保你他朝君體也相同,所以公民投票也不僅僅是一個民主的概念,其實也是自保方法,當然,決定性的也就是團結,能否找到你的大多數。 瑪莉安一場82take 《公》片只有95分鐘,一個難於以拍攝表達的概念,落在戴丹兄弟手上就變成精彩緊湊的故事。觀眾跟著珊迪娜家家戶戶拍門,猜想究竟對方會否投她一票。而一向擅用長鏡頭的戴丹兄弟,更能捕捉演出和場口的實感,儘管女主角瑪莉安歌迪娜是影壇的一線影星,演得來亦非常入信,很能夠吸引觀眾眼球,完全能體會工人階層的苦況。最後,不得不讚瑪莉安歌迪娜的演出,基本上該片每場戲都由她來演、由她主導,但沒有一刻會讓你覺得她失準,她的絕望、懷疑、恐懼及自憐,統統都在鏡頭前表露無遺。據說為求實感,導演曾要求演出同一場戲五、六十次,最高一場是82take,難怪演出極具張力,令她勇奪「歐洲電影獎」的最佳女主角。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

2015-02-27

動畫最大賣點,可能不是技巧有多高,而是有幾童真。當然,鬥賤博搞笑的,大有人在,但拍得好的,在娛樂一番後能直達心靈,就是靠一顆童心。早期的有《反斗奇兵》,近的有《多啦A夢》,它們都喚起我們的集體回憶,讓成年觀眾有所共鳴,年輕觀眾直接感受無添加的童真,大小通吃,無論故事情節抑或動畫技巧,都似乎在說着:越老套,越奏效,現在再來一部《超級無敵羊咩咩大電影之咩最勁!》,百分百對應。 製作這部《羊咩咩》的動畫公司Aardman,跟荷李活的彼思(Pixar)有點相似,大家的動畫風格都不賣弄高超花巧技術,儘管背後的技巧其實相當先進了得,但也不外露,亦不是作品的唯一賣點,而食胡的,往往就靠著故事、內容有否打動觀眾的童心。聽起來是但凡阿媽都是女人的邏輯,但Aardman就是真的賣童心,還要是愈低智的就愈可愛,愈論盡的就愈搞笑,沒有飛機大炮,沒有有味笑話,沒有賤賤格格的扺死「夭」你心肺的對白,一切看似清水無添加,但又來得這麼窩心,這麼有heart、有感覺。   鬥蠢鬥戇居 我們時下接觸的電影和媒介,大抵都在賣弄精面醒目,不停地取悅觀眾,擦亮我們的鞋,但絕少有一部在賣自己有多蠢有多戇居,但愈是這樣,我們就愈是愛不釋手,想起同鄉的英國《戇豆先生》,兩者如出一轍。不是嗎?農場主人天天看羊、數羊、剃下羊毛咁又一日。日復一日,連農場裡的一眾羊咩咩都覺悶,份外醒目的「Shaun the Sheep」偶然見到巴士上享受假期的a day off,便靈機一觸兼心癮起,諗計要主人日夜顛倒,日頭便倒頭呼呼大睡,自己就可以走出城,去倫敦happy。如意算盤當然不會如此容易打得響,主人因意外而失憶,連羊咩群都唔認得,於是,Shaun便一方面拯救失憶主人,一方面又要應付農場牧羊狗,以及那個專捉流浪狗的「狗見仇」糾察員,過程自然一仆一碌、一波三折,令人會心微笑。   回歸Aardman成名作 《超級無敵羊咩咩大電影之咩最勁!》,其實是回歸Aardman的成名作《Wallace and Gromit》系列,風格是同一套路,有點像它們的揚威之作——奧斯卡最佳短片動畫《A Close Shave》,同樣是一望便認出來的泥膠公仔,手法看似懷舊老套,但手工其實非常仔細,情節緊湊、一氣呵成,但奇就奇在,影片其實沒有三兩句對白,故事情節的推進,只靠動物和人物的身體語言和面部表情來交代,是非常visual的動畫創作,爽快利落。另一有趣之處是,動畫的泥膠看似傳統old school,但故事內容用上了Twitter、 facebook等社交網絡,為電影加入時代感,感覺絕不過時,那段社交網絡捧紅農場主人為最紅理髮師,既幽默又諷刺,以剃羊毛的技法剃出最時尚名頭,領導潮流,真的是披著羊皮諷刺時弊,一針見血。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-02-06

時光機要回溯到3個月前的金馬獎頒獎禮。鞏俐辱罵金馬,說甚麼不專業、浪費她出席頒獎禮的時間云云,前提是她失落於最佳女主角獎項。有否小氣失儀?留待看官定斷,但影迷的焦點自然會落在打敗她的電影——《迴光奏鳴曲》,以及力壓鞏俐、有台灣柯德莉夏萍之稱的陳湘琪。 陳湘琪,香港普羅觀眾未必認識,但若是影迷,必定一眼把她認出來。她跟台灣新電影一起成長,對上一部作品是蔡明亮的《郊遊》,她的演出絕不花俏浮誇,屬平實細膩風格,善用眼神、表情、肢體語言說故事,不是要艷光四射搶戲,誓要令觀眾難忘的那種,反而是恰如其分將戲演好,導演先行,她就在鏡頭前將觀眾的眼球聚焦。 只有更出色 在《迴光奏鳴曲》的陳湘琪,只有更出色。電影是屬於演員與導演的作品,精煉的電影語言,導演將整齣電影交給演員carry孭飛,而此片就幾乎只有陳一人的獨腳戲,與女兒、工廠同事沒有甚麼對手戲,就連男主角也只是個躺在病床沒有對白的角色。在這樣的前設,陳湘琪飾演一個中年婦人,藍領,打工的工廠面臨倒閉,轉行做小販擺檔。而自身也才45歲,發現自己月經沒來,感覺頭暈、冒冷汗,原來是更年期早到;膝下,則有個正值青春期的女兒,不算反叛,但也說不上聽話,在求學又求戀期中;老公(片中只有喑示他的存在)則在上海公幹,一直聯絡不上,沒出現過、也沒有與太太對過話;母親,病倒躺在病床需要照料,陳每天需要去醫院一趟,而戲劇的玩味性就在這裡開始。 早到的更年期,對一個女人來說代表甚麼?很簡單,色衰。這不已是要去泡仔偷情的事情了,而是鐵一般的事實擺在眼前,風華不再盛茂,青春老早逝去。心理上的轉變,可能遠比生理上來的大,再加上女兒、母親及生計等問題,一一襲人而來,自己孤軍作戰,無比的無助就好像牆上要剝落的牆紙,大門門鎖常常卡住,不斷重複但又不能根治,無力解決。在這個關口,只好抓緊最後一次的青春,力挽狂瀾的引證自己青春不死,於是學跳社交舞、塗口紅、照鏡、穿裙子和穿高跟鞋,在公車上感受一下被男人打量的快感,更弔詭的是,見到隔鄰病床的壯漢雙眼被綁,受傷動彈不能,袒開胸膛,病痛時低泣呻吟,她出於母性又同時混入慾望被撩起的衝動,上前幫他抹汗、飲水照料,漸漸地,他便成為了她的object of desire,成為每次來醫院的真正目的。 女性主導 《迴》片以女性主導,男性反被性慾化這點,很少在華語電影中看到。該片精煉簡約、對白不多,所有影像都在塑造角色和推進情節,全是有功能、有意思的,還有不少隱喻的影像和構圖,結尾一場大門又再反鎖,陳湘琪在屋內屢試打開但都不果,嘗試撞開又再失敗,再試,想到自身的困境,無力無奈,跟著就哭了上來,鏡頭就從屋外的建築、橫直的屋樑鐵支,意味她被囚在籠中,當她把門撞開跌在地上,外面的世界一切安好、平靜。原來風沒有動,只有心動。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

2015-01-26

現在的中港矛盾真的犀利,連看齣電影也有種排外心態。最近據聞徐克的《智取威虎山》,在內地狂收8億後還在公映,香港卻分分鐘連上畫機會都沒有。那管戲拍得多好,有多強勁的荷李活大片格局,不看的就是不看,希望這只是電影公司杞人憂天,錯估香港觀眾心態,但近日有着同樣危機的,是陳可辛的《親愛的》。 作為愛電影的觀眾,暫且放下甚麼矛盾,以戲輪戲吧。既然抹去地域考慮,自然也不應從它的6億票房,抑或題材是否內地獨有、港人不會明白的角度去看待《親愛的》。如果電影能夠感動不同國籍觀眾,就有它的共通性和感染力,電影能捨下社會矛盾、政治顧慮,最終會是直達心靈的作品。   社會意識強烈 《親愛的》在陳可辛的作品來看,有着兩個創作嘗試。第一是內容,這是他執導以來第一齣有如此強烈社會意識的作品,它不是要去質詢或為中國拐賣兒童問題尋找答案;電影從人性及家長角度,去處理當親生兒子被拐後的心境和精神狀態,先通過黃渤及郝蕾這對離異夫婦,失去兒子後的心態作描繪,他們由自責、抱怨轉化為互相扶持、積極進取,誓要把兒子找回來,繼而認識了其他遇上同樣問題的家長,帶出拐賣兒童的社會問題。故事發展下去,更側寫中國其他社會問題和現象,重男輕女的封建思想、城鄉發展不一導致的買賣供求問題、鄉村的教育問題及階級觀念等,這些都是陳可辛以前不會觸及的社會性,也是從久遠時期講起,從UFO年代所謂的中產面貌、洋氣西化的包裝,跳進反映中國現存問題的框架,這是導演在內容上的一大嘗試。   沒有壞人 第二是說故事的方法。《親》片大致分為兩個敍事體、兩條主線,黃渤和郝蕾的兒子被拐,引申到趙薇這個農婦的故事,她所「收養」的兒子,正是其丈夫從城市拐帶回來、屬於黃、郝的兒子,慢慢推進至她為這個失孤所做的一切,以及又跌入失去兒子的心情。不想再多劇透,這種敍事方法由一環引領到另一環,然後再扣著影片的中心思想,是導演的首次嘗試,也成功暗喻了這樣的拐賣兒童問題,是由一個家庭引申到更多更多中國家庭。導演說影片的重要信息是易位思考,要從對方的角度思考,正如佟大為在巴士上跟趙薇說,「中國人沒有從對方的感受着想,才衍生更多問題。」 儘管電影是這樣的題材,但戲中卻沒有壞人。易位思考,也讓劇本從所謂壞人的角度去設想,帶出他們背後的苦衷、社會更深層的問題,再加上陳找來非常優秀的演員演出,很具說服力。媒體的焦點都放在素顏演出農婦的趙薇,她的演出,無疑討好,但郝蕾的內斂演技亦相當亮眼,含蓄但仍具感染力,其中一場尋回兒子的戲份,其子由重新認識這位母親,從陌生到慢慢重建感情,主動伸手拖着郝蕾,那種萬般滋味在心頭的感受,盡在她的面部表情中反映,感動觀眾。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-01-21

若果現在要拍一齣happily ever after的童話故事,相信觀眾心底都會話「唔好玩啦」,王子公主邂逅,然後雙雙墮入愛河,有情人終成眷屬。這種橋段,到了廿一世紀又怎會奏效?所以現在迪士尼又好、夢工場又好,抑或是傳統的荷李活片廠都好,拍出來的童話故事都會反轉原作、反傳統,從史力加到壞蛋掌門人再到黑魔后,統統都顛覆傳統玩晒嘢,用現代人的思想和節奏消化老掉牙的故事。 《魔法黑森林》也不例外,它不是一個家傳戶曉的電影版童話,而是一眾格林童話主角的綜合玩嘢版。大有《復仇者聯盟》那種集大成之勢,包羅了灰姑娘、小紅帽與狼先生、魔豆傑克和長髮公主的故事,雖未至於每個角色都顛覆原作,但絕不按常規出牌。片中的小紅帽會順手牽羊偷嘢食,灰姑娘會諗計點樣留低玻璃鞋,王子會撕爛衫大唱情歌,然後與灰姑娘共諧連理後又越軌親吻有夫之婦。總之各種意想不到的怪事,都會在這個黑森林裡發生,而一眾童話人物之所以出現,就由黑森林的巫婆開始。 顛覆傳統 《魔》片中,巫婆旋風式出現,向隔鄰的麵包師夫婦施下不育魔咒,要他們絕子絕孫;除非他們能夠在72小時內尋得4種材料,煉成反老回春之藥,讓巫婆回復美貌才可解咒。那4種材料包括:一隻白得像牛奶的牛、一頂紅得像血的紅帽、一撮黃得像粟米的頭髮,及一隻純淨得像金的拖鞋。於是,夫妻兩人便分頭行事,四出追尋、爭奪和以利誘方式得到這4項材料,而他們在途上也自然遇上這批童話角色,各自在黑森林裡演繹自己的故事。 梅姨交足貨 這個故事,其實改編自荷李活同名音樂劇,但這音樂劇早在87年已經公演,一直傳會被搬上銀幕,但在未成事之前,它已影響了不少荷李活電影版童話,其中《史力加》的顛覆精神,據說是來自《魔法黑森林》的原裝音樂劇,所以《魔》可說是這種顛覆童話故事的鼻祖。雖然我沒看過該音樂劇,但據說電影版還是忠於原作,同樣由曾改編音樂劇《芝加哥》的Rob Marshall執導,重心集中於梅麗史翠普飾演的女巫身上。能請得梅姨參演,當然有戲量的保證,她亦交足貨,光是其女巫look已足以力壓全場(尤見她出場一幕),但問題亦是,因為她太吸引了,當女巫在劇情裡消失時(她始終是女配角),觀眾就好像突然失焦,故事突然失去劇力,當然這亦跟故事結構有關,由她一人串起多位童話人物的力度,總是覺得不足,而當她回春後,王子和灰姑娘結婚之後,一切都已不再重要,而該片的中心思想——「小心你所許的願望」也變得有點空談,淪為宣傳口號而已。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

2015-01-08

藝人與助手的關係,一直都是個耐人尋味的電影題材。《坐看雲起時》的檔次,當然不是當年奇雲哥士拿做保鏢,保護雲妮侯絲頓的《Bodyguard》,又或是黎明與鄭秀文《愛你愛到殺死你》般富戲劇性和直接了當,說到底它都是康城影展的競賽作品,劇本層次豐富,絕對可堪玩味、咀嚼和思考。 電影第一場戲在火車上,已經簡明扼要地點出人物的關係、故事的前設。茱莉葉庇洛仙飾演瑪莉,中年女星,曾經光輝,現在仍屬受人敬仰的演員,但已不可算是炙手可熱了,對事業有點憂患,始終都已年華老去,想突破,但又不能降格,仍在醞釀跳出自己的comfort zone;姫絲汀史釗域不再是《吸血新世紀》的女學生,這裡叫花蘭,瑪莉的助手,廿歲開來,年輕能幹,一手iPhone,一手Blackberry,為瑪莉打點一切,從機票酒店晚飯跟誰與誰坐在一起,到現時影業何許人馬最受重視、哪個導演最有才華、哪個女星最近跑出,她都瞭如指掌,有自己的見解,能幹但低調,絕不會搶鏡搶風頭、妹仔大個主人婆。 藝人的私角度 二人的關係,就在火車上慢慢展開:這邊一個電話接來,說瑪莉的前夫——亦是她事業上的伯樂——突然逝世的消息,她驀然回首,萬千滋味在心頭;那邊又傳來另一個電話,有導演力邀瑪莉出演廿年前她的成名舞台劇,但今次,她不再飾演當年18歲野心勃勃的青春少艾,而是她的對手,已經四、五十歲的女上司,最後因為她們撲朔迷離的關係,癡狂崩潰而自殺。 接著的故事發展,就讓觀眾置身於一個藝人的私角度,看著她如何考慮自己的事業,如何面對自己年老色衰的掙扎和矛盾,而最弔詭的是她與花蘭的關係,她絕對信任助手,助手亦尊重這位曾經一姐的老細,二人表面是賓主關係,但亦師亦友,更在曖昧的邊緣徘徊(雖然電影沒有明顯表現),直至她們對時下主流英雄片的看法南轅北轍,年長藝術片出身的當然嗤之以鼻,年輕八十後當然看出人物背後的脆弱性,二人的根本性不同就慢慢浮現,直至到她們行山,在瑞士的山峰上看到Sils Maria山脈雲朵漂流的「雲蛇」奇景,正式告終。 差少少 這樣的劇本,驟耳聽來,很是艾慕杜華的拿手好戲,電影中的電影,女人間的情誼和矛盾,女性面對年華逝去的恐懼、對被取締的危機感,那種缺乏安全感和微妙關係,今次落在阿薩耶斯(唔好意思,都是要這樣介紹——張曼玉前夫),提升至另一層次,少了女人間的怨對,多了一份諒解和體恤,儘管結局一場劇場開演,雖有致敬的意味,但也避不了《慧星美人》、《Working Girl》女性在職場上、在比較時被年輕者取代的陰霾。 看阿薩耶斯的電影,每次都有「差少少」,差少少便完美成為經典的感覺,今次《Kick Ass》女嘉兒莫蕊玆的出場,和她與狗仔隊一條線,總有種畫蛇添足的感覺,幸好作品對藝人與助手的關係、兩位演員的演出、女性之間的微妙關係,以及戲中戲再演戲三層的精練描寫,都是最佳劇本的示範作。 麥聖希-之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

2014-12-29

我不想以偏概全,但日本電影拍不倫之戀的確有一手,拍得特別淒美和理直氣壯,就像多年前森田芳光的《失樂園》,只是一段婚外情,一切都來得理所當然,溫柔細膩的溫柔鄉,是所有男人的夢想(別想多了,是夢……想……呀!);又不像南韓朴贊旭的《Old Boy》般重口味,父女亂倫是復仇手段,絕不是你情我願的共赴溫柔鄉,再加上暴力美學的大肆運用,就是要告誡和重申「亂倫的惡果」,要世人避之則吉、好好反省(當然,電影是拍得相當好和震撼的),與日本電影看不倫戀的立場完全不同。 《養慾之恩》亦是沿著《失樂園》的路線,大膽程度絕對不比後者弱,意淫、外露的性愛,沒有因為是一段禁戀、脫離道德枷鎖而變得畏首畏尾。相反,導演熊切和嘉用上型男淺野忠信及女模,飾演這對越軌男女和大膽父女,就是要去除一段老父幼女的猥瑣感,要觀眾思考這個問題 ——亂倫的界線,究竟要怎樣劃清?該片主角沒有血緣關係,女兒小花,是父親淳悟在一次北海道地震中收養的孤兒,當時她只有5至6歲,之後一直都是由淺野飾演的淳悟撫養成人。當然,電影並沒有鋪敍撫養過程,交代了非血緣的關係,便直接進入下一節場景,轉眼小花已經是亭亭玉立的17歲甜美學生妹,而淳悟,已35歲了。   將禁戀拍成真愛 隨後,該片便從女兒小花的角度去看這段關係(所以英文片名叫《My Man》,日文《私之男》),她沒有丁點的被迫和不情願,相反,小花就如所有初戀少女般,愛她的男人愛得轟天動地、意無反顅,把自己的所有徹底奉獻給這個男人——「從這一刻起,我完全屬於你。」等父親下班、見面就在公眾地方親吻,他們的行為完全是一對戀人,更會因為父親的情人而呷醋,主動離間他們,其後又為了滿足父親(和自己)的性需要而逃學,這一切一切都由女兒作主,父親雖然也全盤接收,但就有點被牽著鼻子走。這樣的安排,就是要將傳統的道德觀念暫時拋開,沒有將罪名放在不利父親一方的道德天秤上,將這段禁戀拍成真愛,男女雙方互相愛慕,又沒有血緣關係,假若不是養育的關係及社會道德價值,這段戀情又可否成立? 《養》片很富電影感,北海道的冰天雪地,對比戀人們的熾熱感情,烈火在冰封的國度也注定是徒然,也烘托出這段戀情的天地不容。當小花被鄰居大叔撞破後,逼供要求退出戀情,那場在浮冰上的角力,很有張力;而另外一場造愛鏡頭,2人共赴巫山之際,天花上滴下血液,滴答滴答的漸漸變成血雨,既點出血緣的思考,亦把這段離經叛道的不倫之戀,拍得特別淒美豔絕,將愛與慾提升至另一境界。該片結尾,難免地回應了道德上的問題,最終一切,究竟是小花厭倦了父親?還是因為長期的煎熬?抑或是錯愛?基本上,這都是每個人成長的必經階段,只是錯的程度不同而已。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2014-12-10

現在距離明年奧斯卡頒獎禮尚早,但一輪呼聲甚高的熱門電影已相繼推出,而當中可預見的一個最為激烈的競爭,應當是最佳男主角獎項。 先談剛上映的《霍金:愛的方程式》。艾迪烈柏尼(Eddie Redmayne)飾演霍金,起初覺得難以置信,一個型格演員飾演患上簡單來說是肌肉萎縮症(早前流行一時的冰桶挑戰的ALS)的天文物理學家會否力有不逮?不過近年演過《孤星淚》、《情迷夢露七天》的他,不單已為人熟悉,演技亦備受肯定。 烈柏尼模仿傳神 他今次飾演的霍金更加傳神,不單要在外形上模仿霍金,戴上黑框眼鏡,更要在小動作上加以模仿。他的病症包括因肌肉萎縮而導致的行動不便,手腳痙攣,極影響起居飲食,看得出烈柏尼在此處的努力,其中他的肩膊和腳的走路姿勢,真是模仿得非常入信。而他之所以演得出色,更在於他演活了這個角色。這個21歲便罹患不治之症的後生仔,本以為只有兩年壽命,或許因為他堅強無比的意志,在身體的狀況每下愈況的情況下,其信念、感情、學術和事業方面都穩步上揚,而他面對人生的態度更是正面樂觀,戲中也見到他面對困難時,仍能笑看人生,幽默地看待事情,實在難能可貴。 也可能因為《霍》片導演是拍紀錄片出身(出名作品就是《Man on Wire》),所以對角色的描寫還算仔細、有血有肉 (例如他病發後的性需要),而主軸的愛情線也不是一味歌頌童話式愛情,霍金和第一任太太Jane,經過25年寒暑的戀愛後也得結束,但決定的過程合情合理,非常有人性,大方而富尊重和欣賞,所以烈柏尼演出這個角色就非常討好,已經被譽為當代丹尼路爾斯的《無悔今生》。 米高基頓做回自己 烈柏尼的演技絕對毋庸置疑,殘障角色一向也是奧斯卡特別加分的題材,但今年的勁敵實在不少,另一強勁挑戰者是《飛鳥俠》的米高基頓。同樣是奧斯卡鍾愛的角色類型,米高基頓演的就是自己,戲中的舞台劇導演當年就是憑《飛鳥俠》一片走紅,如今潦倒半生,準備拍齣舞台劇翻身,而《飛鳥俠》其實就是影射現實中米高基頓的《蝙蝠俠》,他是第一代的「蝙蝠俠」,演過兩集後就沒有再接拍,當年他還算紅極一時,但現在年過60已再很少擔正,在荷李活裡載浮載沉,閒時在電視劇出現,又或是幫動畫配音。 所以《飛鳥俠》中的米高基頓就是他本人的寫照,高峰過後一事無成,太太女兒不時奚落,自己就一直沉醉幻想,深信自己仍然是「飛鳥俠」,只是眾人不識貨而已。就是這種過來人的感受,令他在《飛》片演出特別入木三分、內斂沉澱,亦是烈柏尼的外露演技的相反,大多內心戲都演得非常動人,結尾多場掏盡心血仍未能掌握大局的戲份,那種事與願違的無奈和失落,演得恰到好處。 5年前的謝夫布烈治就憑《Crazy Heart》中的潦倒歌手獲得最佳男主角。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

2014-12-01

金馬獎的大贏家,自然是婁燁的《推手》,但其實亦是內地電影的一場勝仗。今年的八成獎項,全由內地電影獲得,甚至連新人獎、短片、紀錄片、歌曲及配樂等獎項都是,實屬罕見的一年。而台灣電影,除了最佳女主角由陳湘琪獲得外,較為矚目的是最佳原著劇本得主《行動代號:孫中山》。 《行》片在六月份的台北電影節中亦獲得同一獎項,證明這部電影實至名歸。但一部輕輕鬆鬆,看似無傷大雅的小品,又何解會贏得這個榮耀?答案正是它舉輕若重,看似最微不足道的少男瑣事,卻要傳達一個認真的社會議題。該片比導演易智言12年前的《藍色大門》更具野心,當年的台灣電影相當兩極化,市場上不是獲獎連連的藝術片,就是通俗娛樂片當道,走中間路線、能讓普羅觀眾看得懂又看出意思的作品,其實不多,《藍色大門》便是成功的例子,既拍出少男少女青春路上的患得患失,還側手捧紅了桂綸鎂和陳柏霖。   突顯簡單可愛的少年思想 今次的《行動代號:孫中山》同樣是青春到冇人有的題材,小男生阿左因為欠交班費,想到校園裡有一尊孫中山銅像,假若把它偷了變賣,問題便可解決;於是他連同幾個同學,展開這個代號「孫中山」的行動,可惜時不我與,有同一樣行動的,竟然還有隔籬班同學小天。易智言的青春,不在於成年人眼中的打打機、泡泡妞及走走堂,更在於這班十五、六歲小男生的思想、行為和語言。《行》片主角阿左的想法,單純可愛,「孫中山」行動的目的,看似聰明實則大費周章,要是想得現實點,大抵會去找份兼職交班費了事,但導演卻把他和同學們的世界拍得理所當然,他們的語言重重複複,像是「我叫阿左,左邊的左」之類的對白,結構異常簡單,像是teletubby 三至四歲學講話的語言,一方面突顯了他們思想的簡單和可愛,另一方面亦成為一種由導演創造或反映出來的青春美學。   道出台灣貧窮問題 而易智言的成功之處,在於表面營造了一個漫不經心的青春心境,實則卻要道出台灣的貧窮問題,而且是一個世襲的貧窮問題,結尾「悔過書」一場就指出了,不只阿左和小天的家境清貧,所有同學,他們的爸爸、阿公都有同樣困難,導演一路往上推,便指出了貧窮和下一代無法脫貧的問題。這樣一個嚴肅的話題,易智言拍得何等輕鬆自若,沒有硬道理的要觀眾硬咽下去,而是借青春的包裝滲透出這個社會現象,輕巧調皮,單是阿左和小天互相鬥窮,表面看來得啖笑,卻有其箇中的悲凉,真是笑中有淚,有苦自己知。 細心欣賞的話,可發現劇本層次豐富,既有青春的可愛,又有社會的思考;戲中的玩味,還包括孫中山的銅像,三民主義在今天的台灣,又代表了甚麼?正如電視新聞提出的問題,「或者他們想表達甚麼呢?」還有阿左和小天的友誼,阿左對小天的無條件關懷,曾在青春期的我們,會這樣義無反顧嗎?在西門町街頭打一場架,銅像掉到哪裡已經不再重要,重要的是,藉此洩憤和滿足一下肉身上的接觸和糾纏?大抵這就是青春吧。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2014-11-14

這篇影評來得晚了。電影已經上畫,而且是好一段時間了,僅餘的場次剩餘不多,就正因為在戲院看它的機會不多,更覺得要寫一寫,希望這部電影能夠找到更多知音人。《點對點》,是切切實實的一部香港電影、一部關於香港這座城市成長和記憶的電影,它是我們的集體意識,是給香港和給香港人的紀錄。 我不喜歡打人情牌,不是要觀眾聽到「本土性」這三個字,就乖乖買飛入場,盲目支持。電影歸電影,難看的電影再多「本土性」,始終也是一部有心但難看的電影;但《點對點》則屬有心又好看的,當然,看戲不要對錯號入錯座,以為它是一部蕩氣迴腸的史詩式電影,看完幾天後還會因為它的特效而繼續被震懾著,相反,《點》是一部輕淡、滿有情趣的小清新。看得大片多,腦袋都油膩起來,我們著實需要一杯涼茶,清一清腸胃。 或許我不多談它的本土性,已經很多評論拿著這個旗幟,幫它搖旗吶喊了,我倒想談談導演在創作上的心思。《點》片背景和故事穿插的是香港過去的城市景觀,及角色對回憶的緬懷,但戲軌,委實是個愛情故事,一個點到即止的愛情故事。輕輕淡淡,似有還無,導演(亦是編劇)就安排從加拿大回流香港的陳豪,與從內地來港教普通話的小雪老師,在正式碰面前,多次偶然的在同一時空擦身而過,但他們沒有相遇,也不知道對方的存在,只有觀眾看到他們前後腳地出現,例如開首在青馬大橋上,陳豪的車去機場途中塞車,軚盤一扭,就是小雪老師的車,之後兩人分別被介紹到新的工作環境,以平衡剪接方式交代不同空間在做同樣的事。之後,第一天上班,他們都在同一個地鐵站出現,陳豪在講電話談搬家瑣事,小雪隨後走進同一個站,但沒有碰上。類似的情況,又在銅鑼灣站發生,這次陳豪遇上戴上同款冷頸巾的邵音音,小雪就在下一個鏡頭走入。 刻意經營「咫尺天涯」時刻 接著,身處灣仔藍屋的小雪看到在外面路過的陳豪的背影;陳豪在普通話學校的走廊見到隔籬班老師的小雪;再到邵仲衡在山頂上談到的氣質女優;在柯士甸站外因警察干擾而差點讓他們相遇,最後兩人又分別地各自離職,首尾呼應。 這些這些,導演很明顯地要經營出他們多次差點相遇的時刻,最終卻因緣份的撥弄而未及認識。那種在同一空間出現,但卻有緣無份的浪漫,咫尺但天涯,來得有點像奇斯洛夫斯基的《紅》。 而「愛情就在我們身邊,只是我們沒有察覺而已」的信息,又與戲中的點線遊戲一脈相承,我們這個城市,有很多有趣的東西可讓人細味,只是香港人太忙,未有察覺而已。戲中的香港城市景觀,通過點線遊戲、泛黃照片,還有大丸、皇后碼頭事件呈現出來,這全是導演想要留住的香港。一個美好的香港,一如小雪老師的工作環境般,華洋同處,黑人、德國人、南韓人及內地人,相處得非常融洽,沒有語言和種族界限,就像導演投射的一個美好的香港。 麥聖希-之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

2014-11-07

 《怒海沉淪》改編自南韓一宗真實事件,對於香港觀眾來說,事件的來由,普遍都不太熟識,但對於這個名字應該不會陌生吧——朴有天。 朴有天是前「東方神起」成員之一,現已貴為JYJ男子組合要員,不過他今次不是在台上表演,也不是演入屋的韓劇。在電影《怒海沉淪》鏡頭前的朴有天,一反偶像派歌手形象,飾演一艘偷渡船上的新手船員,千辛萬苦找到工作,並在船上遇上偷渡少女,她意外墮海被戲中的朴有天拯救,繼而互生情愫。雖然《怒》是朴有天首齣電影,但演技絕不稚嫰,併在其他實力派演員中(戲中所有演員,幾乎都是在韓片、韓劇見過的實力派演員,包括當年頗為震撼的《追擊者》警察金允錫)也絕對沒有給比下去,他就像一個同屬實力派、滿有經驗的演員,不塗脂粉,用心用力演繹,沒有像一般唱而優則演的藝人,姿姿整整、要三七分面、要鎂光燈寸步不離,又要錫身唔演乜唔演物(其實南韓演員非常專業,一線演員遇到好劇本,一樣要脫和瞓身演出,如全度姸、宋承憲及鄭雨盛等)。從這點來看,朴有天的電影生涯,看來只是個開始。 回歸電影本身,《怒》片題材並不屬於意想不到的驚世之作,但絕對能令南韓人民引起共鳴,該片由真人真事改編,講述1998年金融危機後,南韓船長為求生計,毅然偷運一批從中國逃回國土的南韓人,卻發生意外造成悲劇,船長要在一片海霧(片名的韓文意思)中收拾殘局,過程喪盡天良、道德沉淪。事隔廿多年,事件曾改編為舞台劇,每次在南韓國公演都引來社會激烈回響,以及普羅觀眾的共鳴。所以,該片得以代表南韓競逐明年的奥斯卡最佳外語片獎項,相信與它的社會性有關。   改編自真人真事 《怒》是導演沈聖甫首次執導作品,但他絕非圈外人,早在2003年,他便與今天已是南韓一線大導演的奉俊昊合寫《殺人回憶》的劇本,兩人識於微時,所以今次也順理成章,邀得奉俊昊出任該片監製。驟眼看來,其實《怒》片與奉俊昊的作品也有幾分相似,先是他有份編劇的《殺人回憶》,同樣改編自當地轟動一時的真實罪案,在一個特定的環境下,在嚴峻的危機中考驗人性,寫出人類在絕境中選擇求存還是道德,而《怒》片中的小伙子朴有天,當然也就選擇了道德,以及用生命的危機來換取愛情;而在視覺上,《怒海沉淪》與奉俊昊的《末世列車》亦一脈相乘,來自同一個攝影師的風格,都是善用黑暗中的光影,在群戲中亦能看到角色的面部表情,既有助營造暴風雨前夕的氣氛,亦道出及凸顯了人性黑暗面的主旨。全片以暗黑為主調,相信其中原因是有助拍攝,照估計,該片的偷渡船和海上的場面都是在廠景拍攝,再加插特別效果如海浪、沉船及風暴,甚至海霧等,在暗黑的環境下拍攝特別容易入信,同樣反映了韓片在拍攝技術上的優勢和能力。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

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