麥聖希 - 麥聖希
2015-08-05

近幾年,香港已經體會到人民團結的力量,在社會公義、人生自由的議題上,退讓已經等於助紂為虐,認同了壓逼者的邏輯和價值觀,剩下的出路似乎只有爭取和反抗。現實的環境是這樣,但反映現實的電影又有多少?避談政治的港片,當然在這課題上暫時交白卷,但近年南韓則有《逆權大狀》、《逆權師奶》等振奮人心作品,而遠在歐洲或美國,反映社會和政治現狀的當然還有不少,最近引進到港的則有一部英國片《翩翩愛自由》。 叫《翩》片做政治電影,著實有點嚇人,連有意入場的觀眾也分分鐘頓時拒諸門囗,而事實上,影片的著眼點是應該落在人民身上。人民團結起來的力量,那種英雄式的轟烈和浪漫,既叫人肅然起敬,又叫人深深感動。該片根據真人真事改編,生於愛爾蘭30年代的占美格拉頓(James Gralton),就是當年的人民英雄,他從美國回國,在村落地方辦了一所人民學堂,村民可自由參加,可在那裡學習,從演說、思考、唱歌、跳舞和戀愛中認識生命,認識社會,認識世界。 大師封筆之作 可是當年的愛爾蘭社會保守建制,以此方法發掘個人潛能,培養獨立思考的活動就自然成為教會,以至地主們的敵人,更視格拉頓為他們的頭號敵人,對他又拉又鎖,散播惡毒言論,將其妖魔化。甚麼「上課等如反神論」、「爵士樂都是魔鬼的音樂」、「學堂正在洛杉磯化我們的文化」等,不用多說都知道何其荒謬。 電影接著一如導演堅盧治風格,從人民感受出發,政治氛圍、動盪社會都只是背景,觀眾看著學堂學生對自由、對學習的理想幻滅,那種對基本人性真善美的追求,一旦統統被殲滅時,便出現反彈,上演那場舌劍唇槍、對理想的爭辯。這幕戲既富啟發性又精采絕倫(一如之前執導的《Land of Freedom》和《 The Wind That Shakes Barley》的辯論般緊湊),以及那場歡送人民英雄的集體單車戲,都看得人一邊拍案叫絕,一邊熱淚盈眶。而堅盧治之所以是英國國寶級導演,正是他沒有硬銷政治理念,一切從人性出發,今次他在踏上烏托邦之路上,更多了點點浪漫,那場學堂靜默共舞更是少見的感情戲,到位又不至肉麻。 據說《翩翩愛自由》是今年78歲的堅盧治的封筆之作。當今之下,能有這樣的勇氣和能力,將人性與社會的關係、個體與建制的矛盾拍得如此出色,真是買少見少,希望他與宮崎駿一樣,終有復出的一天。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-07-24

一年多了,去年康城影展的話題作,肯定是這部《性本無言》。不是說它有沒有機會拿獎奪魁,而是它大膽的手法和內容——全無對白地描寫聾啞人士的黑幫世界。沒錯,是全無對白,也沒有旁白、沒有字幕,全片以手語交代故事情節,但仍無損觀眾對劇情的理解,況且,題材是我們耳熟能詳的故事——校園地下組織的性與暴力,一點都不陌生,但觀賞時仍覺得震撼,因為主角們全是聾啞人士,帶來很多衝擊和思考。 先說故事。年輕小伙子入到寄宿學校,嘗試適應生活,但旋即便走上黑幫之路。表面平靜,地下卻是罪惡滿城的黑幫世界,這個世界盜亦有道,姦淫擄掠是常理,你要上位,一定要有表現。主角就先來偷呃拐騙、搶劫打鬥,繼而搭上老師,一起參與越境賣淫勾當,小混混靠拳頭、膽色默默上位,一下子就成了大犯罪家,誰知初生之犢墮入情網,愛上女同學安妮後不能自拔。 聾啞人士擔演 電影題材真是沒兩樣,但當在銀幕上看到的全是真實的聾啞人士,不由得去想,當中有沒有被利用和被剝削呢?尤其戲中一場大膽性愛戲,具體地三級,觀眾咋舌之餘亦會不停反思。始終他們都是人,為甚麼不可以做黑幫?為甚麼不能談情說愛兼做愛?為甚麼我們看到這些情景會不爽?是我們習慣了同情他們,將他們放在被照顧的邊緣位置? 《性》片正是要我們面對這些問題,所以電影世界根本與主流社會無異,所以導演刻意營造他們堅強一面,從不自悲自憐,當然,主角們都誤入歧途,一方面引證他們與所有血氣方剛的年輕人無異,另一方面暗示他們對主流社會的一種反抗,你愈可憐我,我愈不領情,我有我做人的自由,我更有我做壞人的權利,跟所有人一樣,不用旁人指指點點。 獲獎無數 《性》的英文片名《The Tribe》,是部族的意思,有種站在主流中心看這個外圍部族的味道,他們是小眾,是被現今社會邊緣化的一群。導演就是要我們抹去所有既定道德價值,用平常心、放下有色眼鏡去看待他們。該片在康城勇奪影評人周的最佳電影後,已經巡迴了不少國家影展,贏過不少獎項,但觀眾除了驚嘆這位烏克蘭導演的首部作品,如斯大膽、技壓群芳之外,亦應多作觀影後討論,思考它的社會性、導演角度以至背後的用心。 本周一(7/20)的《捉妖記》,補拍追加實為7,000萬元,非700萬元,特此更正。 麥聖希-之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-07-20

千呼萬喚,《捉妖記》終於上映了。最近的朋友圈都熱起來,不停的談論這部電影,要看它將會打破甚麼紀錄,先是優先場高達100%的入座率,然後內地票房半天過億,勢將打破《西遊記之大鬧天宮》年初一的開畫1.28億元票房,成為最新的華語電影票房紀錄,還有接著的零負評和群星推薦都是來勢洶洶,而其中在多篇報道或po文中,印象最深的還是這一句:這不是一部「該支持」的電影,而是「應該看」的電影。 「該支持」,意味著電影不夠分量但有同情分,所以值得支持。大概是因為《捉》片的誕生有點傳奇,拍攝中段遇上「柯震東吸毒事件」,令投資者追加700萬元補拍,讓一眾團體「死去活來」;又因為有心電影人拍有心電影,又加分又增加了傳奇色彩,所以才值得支持。 有國際水準 但委實說,該片是「應該看」的,它不僅成功融合荷李活的動畫技術,成為第一部你不會挑剔效果欠佳、技術不夠的真人動畫片,不僅將內地動畫技術推向另一頂峰,更成為香港動畫技術的新標準。當然,真人加動畫對於香港的觀眾而言,並非甚麼新鮮賣點,早有《夢城兔福星》,近則有《柏靈頓》,但當你知道這位「史力加之父」許誠毅率領的動畫團隊,大部分都是中國人的時候,或許真會為電影加分,但看著主角胡巴的神情、身體的質感、眼睛的形態和晶瑩程度,還有戲中的血妖、地妖及小飛妖等造型,都不可否認它具國際水準。 《捉》片更有點「中學為體,西學為用」的效果,技巧是西方的一套,但神髓卻滿布華語電影的感情點。該片沒有暑假大片的一味炸、一味飛車和賣弄特技,它的感情指數倒有點意外,不是說「愛情喜劇天后」白百何和井柏然的感情線,反而是井柏然這位「孕夫」與親生妖物胡巴的關係,當眾人要野生捕獲胡巴時,不管他們是為了升呢做捉妖天師,還是要賣錢(湯唯)、烹餚(姚晨)和養生(鍾漢良),就只有井柏然這位「代父」與胡巴產生了親情、養育之恩,所以影片的轉折點是井柏然不捨得胡巴,更將胡勇救出魔掌,也所以結局人妖殊途,可以觸動了觀眾的親情點。 顛倒性別 儘管《捉》的「外觀」是仿《魔戒》,帶點國產製味道,但其中一點新意是「顛倒性別」。戲裡不再是傳統的男強女弱,相反地是女強男弱,相信很能引起香港觀眾共鳴,以及一眾80後的認同。一如《史力加》反轉傳統童話中的公主王子,今次戲謔的是性別,白百何是位即將上位的新紮二錢天師,打得之餘又性格爽直,有點男子漢保護女子的姿態,而她的「女子」就是意外「懷孕」的井柏然,柔弱無大志,是個愛做夢、愛做飯的大暖男,2人的火花就在一邊捉妖,一邊照顧大肚婆的路上發生,點到即止,相知相惜。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-07-10

台灣,又或是近年的台灣電影,一直在香港觀眾心中有著特殊地位,大抵因為它的文藝氣息吧,我們完全沾不上邊,只得羨慕和景仰,尤其文青和泛文青一族,去台灣就是要淨化心靈,呼吸一下「小清新」的空氣。 但對影迷來說,愛上台灣電影,很大程度上因為這3個人:侯孝賢、楊德昌和蔡明亮。他們代表着八十年代的台灣新電影,一如香港的新浪潮、中國內地的第五代電影,都能一新觀眾的耳目,在形式和美學上的追求,在內容和社會性的反思性,他們的作品都代表著這一代與上一代的割裂,把台灣推進至一個翻天覆地的新局面。 林懷民開場 《光陰的故事——台灣新電影》很是珍貴。珍貴不單在於它勾勒了這個電影運動的起承轉合,從林懷民的開場白,簡明扼要地提及很多,大家都會忽略的時代背景。在台灣新電影冒起之前的七十年代,台灣的經濟發展與外交上的孤立,形成了一道藝術工作者反映時代的聲音,他們開始認識自身的歷史和文化,是「八十年代站在七十年代的基礎上,做了這件偉大的事情,開拓了台灣今天自由開放的社會。」就在這樣的前提下,台灣新電影得到它應有的肯定。 林懷民出現之後,《光》片就穿州過省,捕捉了遠在布宜諾斯艾利斯、巴黎、鹿特丹、東京、清邁、北京、香港和台北的電影人、策展人、影評人及導演等,全方位描述了這場電影運動的發展背景、統稱上的問題、個別導演的風格、運動中的美學特質、時代和社會的關係等,非常全面和珍貴,而當中除了有受到台導新電影影響的導演發聲之外,更有趣地涵蓋了視覺藝術和表演藝術的範疇,如艾未未和劉小東等都有份站台,足見台灣新電影的影響力,除了電影本身,更觸及到其他藝術領域。 侯孝賢壓軸 坊間一些紀錄片,在敘述一個國家的電影發展史時,很多時陷入流水帳的形式,而且倚賴1到2個人的觀點,去支撐整個論述、以偏概全,但《光》片導演謝慶鈴實為荷蘭鹿特丹的策展人,之前只是電影賣家,認識不少圈內舉足輕重的電影人,再加上她本身是法籍台灣人,遊走法語和華語地域,所以今次製作的材料非常豐富,從法國電影筆記的總編,到前威尼斯影展總監,再到是枝裕和、阿彼察邦、淺野忠信、阿薩耶斯、田壯壯、蔡明亮及侯孝賢等都一網打盡,而當中令人印象深刻的是,黑澤清對於台灣新電影美學的論述:「真人實景、現實的題材,但又追求極致的電影感,有講究的電影語言;非常自然但又非常戲劇化」,此話很富啟發性,而賈樟柯眼中的台灣新電影,正是中國文革後內地電影被中斷的一點,亦叫人無奈。 影片一直避免找來當時人受訪,用心良苦,到最後蔡明亮說自己沒有接軌,也沒有包袱,再到侯孝賢壓軸說:「甚麼形式都已經玩過,最重要是內容、時代的內容。」正正點出了,台灣新電影那人與時代之間的關係的精髓。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-06-29

 《鬼上你的床》(It Follows)有條很有趣的戲軌——男友通過做愛將邪靈轉介給女友,而女友擺脫邪靈附體,必須有樣學樣,覓食下個 pass it on。 《鬼》絕對是荒誕無稽到冇人有的橋段,大家當然講都唔會信,但放在這樣一部cult片及恐怖片類型來看,則絕對是言之有物,totally make sense。一方面,它滿足了九十年代《奪命狂呼》、《去年暑假搞乜鬼》系列的青春恐怖片的影迷,在心理和生理上的需要,另一方面又延續了2000年《七步成屍》那做愛會變腐屍的性愛恐懼,又或是《處女殺手》中,變態殺手專殺處女的處女情義結。若說《鬼上你的床》在恐怖cult片類型中起著承先啟後的作用,大抵你會心想:「咁都得!」但的而且確,它絕非一套滿足官能刺激驚餐飽的teen horror,it’s more than that。   性愛pass it on 《鬼》片有齊teen horror 的元素,金髮大胸少女、高中校園、(刻意)膚淺的對白、睡袍熱褲通山跑及少少鹹多多趣的情節,但它沒有類型常見、純消費的主觀煽情鏡頭。它的影機運動、音樂的運用,都似是一部參展電影節的獨立電影,多於主流商業片(所以它的世界首映是康城的導演雙周),骨子裡滲透著年輕導演的野心,把類型片改造再創新。 就以該片開場一節戲為例,無名少女荒失失跑入鏡頭,父親旁白VO不停問發生甚麼事,然後她走入屋拿銀包車匙,到海灘獨處過夜;下一個清晨鏡頭,她已經身首異處,雙腿骨折慘死。3個鏡頭簡約有效地為影片定下調子,之後便引入女主角與男友車震鬼混後的異象,世人看不見、只有當事人才見到的怪人亦步亦趨,女裸屍、老太婆及被強暴瀨着尿的女受害者,還有7呎高的科學怪人等,他們打不死,只向中了邪靈的人埋手,死纏難打,直至受害者將邪靈傳給下一個。   將荒誕合理化 接著的問題就是,女主角應該保存性命搵人上床?還是有苦自己知,守身如玉繼續與怪人搏鬥?說穿了就是,做(愛)還是不做?這樣的前設,似是「急色男」塑造出來的天方夜譚,全無邏輯可言,但導演偏偏把電影拍得非常寫實,極度認真、毫不誇張地,營造一個可信性甚高的電影世界。在現實中出現種種uncanny異象,令到荒唐不堪的危言聳聽,也來得相當入信,會令觀眾擔心,自己會遇上同樣問題。 《鬼》片導演再創新之處,正是成功製造了這個uncanny 狀態,一如大衛連治的《藍色夜合花》,將極端荒誕的異象在現實中合理化,擺脫了teen horror類型片那種誇張得啖笑、睇完唔會記得且安全重回現實的處理手法,《鬼上你的床》完場後,It still follows。 麥聖希 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-06-12

當今天的新聞報道著甚麼「被自殺」、「被失蹤」,我們都已經被麻木得見怪不怪、習以為常的時候,我們絕對不用驚訝或者懷疑,在地球的另一國度的印度裡,每天都在演繹著岳飛的「莫須有」,一次又一次的將現實中荒謬、社會中的無理,在法庭上合理化,彈指間便將真理與真相化為烏有,蓋棺論定。 《我要真...審訊》就是衝著這樣的氣候而來。港人看到片名當然會心領神會,一笑置之亦會感同身受,但影片的論調就是要讓真理見光,為弱勢社群翻案,彰顯了現實中或許已成絕響的精神:人生有希望、法庭有得救。 不公冤案比比皆是 65歲的老頭在大笪地唱著民俗樂歌,忽然被拉上差館,然後判刑,理由是他用歌曲教唆他人自殺。但他與突然死亡的下水道工人素未謀面,他又何來殺人動機?為甚麼要教唆他人自殺?歌曲又怎能催眠人到自殺的地步?著實有十萬個為甚麼,年輕律師就要為被告翻案,從死者、他接觸過的人,同事親人到法官,不同社會階層的都一網打盡地,打爛沙盆問到篤,將私隱私生活一一呈上法庭鑑治。 別以為場景是印度、人物是村落老頭,我們便可置身度外。電影裡的情節推進,每個人物、每樁謬事,身居香港的我們,其實都很容易找到切入點,看到的雖然是平實樸素的場景,平平無奇,但故事中的情節分分鐘比現實更具戲劇性、充滿更多荒誕元素。所以當律師在抽絲剝繭,逐點擊破的時候,我們表面上能夠大快人心,但骨子裡不得不叫人愈看愈心寒,當頭棒喝的叫我們面對現實,現實中那些不公和冤案,絕對比電影裡的冰山一角多的是。 年輕導演抗爭找靈感 據說電影的靈感來自孟買三十年的抗爭環境,當年從英國殖民時期便經常發生地區抗議,而抗爭樂曲自此便如雨後春筍此起彼落,隨著鎮壓而在民間流竄起伏,而戲中的詩人更真的真人演出,他當年隷屬七〇年代的反政府反社會階級運動,曾經備受壓逼和邊境化,只不過今天的他和當年的反抗運動,已被政府滅聲,收服得燙燙貼貼而已。 不得不提,導演只是27歲的小伙子,還說没有正統電影訓練,但作品已渗透着一種氣定神閒的節奏和客觀,有章有法,不煽不濫地拍出人性被權力沖昏頭腦時的惡行,結果一場的落幕,有種電影已完但現實的故事仍在上映的感覺,冷靜但懾人,是近期備受矚目的導演新星。影片去年參展參賽數十個世界影展,全部百發百中,贏得大小不同奬項,箇中原因,看後大家便會深深明白。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-06-05

真要感謝香港電影料館,投入大量人手和資源炮製了這個「百部不可不看的香港電影」節目。 做了超過2年了,沒有政府資源及任何商業機構支援,基本上休想把這百部經典盡現觀眾眼前,就算財力雄厚,也未必能萬水千山,差不多要登山涉水地把絕跡坊間的拷貝拿到手。解決版權和放映殘缺拷貝的放映問題,令每次都能順利放映,真是幾乎要還神,而背後,真要感謝一班幕後功臣,把香港電影的光輝重現銀幕,也希望不是最後的一次吧。   大師經典 沒有細數或倒數還有多少部經典還未放映,每個星期一次又一次的,因為其他新上畫的大片,又或某某影展開壇而放棄了一部又一部經典,真有種又走寶的傷感。畢竟,old school 的我總是提不起勁,在家裡看一齣大電影。 抱着一臉遺憾之際,發現以下幾星期上映的,全是大家耳熟能詳,但又未必有緣在銀幕上看到的新浪潮作品(容許我牽強的說,也許當時我們年紀小吧)。徐克、許鞍華、譚家明、方育平,這些名字常常掛在唇邊,他們曾經以至現在為香港電影創下奇蹟,打造本土電影傳奇。 《第一類型危險》,是徐克的第2部作品,青春憤怒好有火,3個年輕小伙子遇上冷傲神秘女子,看似無重、無聊、無方向,實際是生命失焦,失去意義,電影內的暴力意識,比鏡頭外還會在街頭放炸彈的香港,來得更暴烈、更不安。這部片當年被禁,就是說會引起社會不安,今天看來,就是一樣震撼。   年輕人愛慾 譚家明的《烈火青春》,也是回應年輕人的躁動心境,不過是往性與愛方向探索。像歐洲、法國電影,社會背景抽離至造愛的布景板而已,湯鎮業和夏文汐,張國榮和葉童,兩對在夏日撻著的戀人,在電車上、洗衣店裡、泳池邊,在不同場景試著愛的實驗,你說他們虛空嗎?他們就在愛慾中取得實感。 相對兩位的激烈,方育平的《半邊人》就來得溫柔踏實得多。少女住公屋,在街市賣魚,與男友分手了,蒲蒲電影文化中心,游離於理想與現實之間,我們曾經都有過夢想,但面對要生活定生存的問題,很多時會走錯路。糅合了新寫實主義的風格,作品是那個年代人的寫照,但今天的80、90後看着看着,又何曾沒有同感? 麥聖希 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-05-26

康城終於圓滿結束!今年賽果有不少意外驚喜,頒獎禮前在行內電影雜誌打分最高的4部作品,包括侯孝賢的《刺客聶隱娘》、女同志片《Carol》、賈樟柯的《山河故人》和匈牙利的《桑爾之子》(Son of Saul)均沒有贏得最高殊榮金棕櫚大獎,跑出的結果是積克哥利亞的《廸潘》(Dheepan)。 當然,雜誌上的評分只屬參考,評審結果很多時都會出人意表。當大家在臉書、微博微信恭喜侯導得最佳導演時,其實有點替他不值才是。《刺客聶隱娘》美得交關,李屏賓的晶片攝影無懈可擊,每格菲林都是精心雕琢,甚有東方美學的味道,內容則顛覆武俠片類型,在武俠形象、敘事技巧、武打場面、寫實風格上都有全新的演繹,但可能過於含蓄隱晦,留白過多導致西方的評審團不甚看懂,結果只得最佳導演。 金棕櫚的《廸潘》明顯較易入囗,斯里蘭卡的3人,因動亂逃亡到法國,由陌生人假扮成父母女的3人家庭獲得居留權,隨後捲入黑幫廝殺而大開殺戒。作品比積克奧迪雅的《銹與骨》更順暢瀟灑,既反映社會問題亦拍出電影的張力,緊湊悅目,導演駕馭得有神有力,亦具商業元素,可謂與評審主席高安兄弟的風格如出一轍。 今年康城的最大發現,絕對是《桑爾之子》。38歲的導演首次執導長片,作品甚有大師風範,巧妙使用大量近鏡,一方面避免鏡頭的露骨血腥,另方面又能集中演員演出的逼力,恍如比利時戴丹兄弟在拍納粹德軍集體屠殺的片子,逼力甚強,直叫人透不過氣來,又不失人民關懷,悲劇中沒有失去希望的曙光。 評審團奬的《龍蝦》(The Lobster)奇詭有趣,主角入住神祕酒店,在指定日數內尋找伴侶,否則便會變成你想變成的動物。荒誕奇情,寫出現代男女微妙矛盾的感情關係,首半部精彩絕倫,可惜後段有點無以為繼。 演員方面,一直呼聲甚高的Cate Blanchett和Michael Caine,結果掄元也不足為奇,他們實在太出名了,留待明年奧斯卡吧。現在男女主角均由法國演員獲得,男的Vincent Lindon在《巿埸法則》(The Measure of a Man)中沉實內斂,演個既要照顧痙攣兒子,又要在超市當保安的父親,承受多方壓力而從不申訴,是工人階級的男人自白書。女的Emmanuelle Bercot,既是演員又是導演(開幕電影正是她執導),在《我的國王》(Mon Roi)由頭帶到尾,把感情戲演得入骨入肉,聲涙俱下。與她平分女演員奬的Rooney Mara,演技一如《龍紋身的女孩》和《社交網絡》的好,不過今次低調發揮不多,獲奬相信是《Carol》的安慰奬。 香港及北京百老匯電影中心負責人。愛電影,搞影展,寫影展。

2015-05-18

談到南韓電影,很多人會想到朴贊郁、金基德、金知雲及李滄東等,但在國際影展上,跟他們同樣受歡迎,甚至更受歡迎的,是洪尚秀。 或許是他的電影小品輕巧,生活化的故事,現實生活中的人物,沒有甚麼呼天搶地、驚天動地的戲劇情節,沒有多部能正式在海外公映發行的作品,但在電影節的圈子裡,他早已成為影迷的心頭好。原因很自然,他的電影常常被人拿來跟活地阿倫的電影比較,又或是意大利的Nanni Moretii(新作將在康城參賽),其中的主因是,他們的電影都是對白先行,故事設定於日常生活環境,沒有複雜浮誇的影機運動,一切以人物和處境去建立故事,推進情節。   喝酒 媾女 談電影 洪尚秀的電影就不外乎這3個元素:喝酒、媾女和談電影。戲中的男主角,往往是他的化身alter ego,做導演缺乏創作靈感,食飯喝酒遇上舊情人,又或是滾上電影系妙齡女學生。風花雪月,談人生、說理想(往往是空談嗰隻),然後反思自我,然後回歸平淡,繼續人生。 當然,這是有點以偏概全,但也勾劃了他的電影世界觀,非常統一連貫,也是他被推舉為出色當代南韓作者導演的原因。近年的洪尚秀,沒有太大野心想要轉型,只是在製作上多了新元素,是國際化的元素,例如《In Our Country》就由法國一級演員依莎貝雨蓓主演,而今次的《自由之丘》則由日本的加瀨亮出演。   處理靈活跳脫 《自由之丘》其實是戲中一間咖啡廳的名字。加瀨亮幾年前來到南韓,在附近地方教書,認識了南韓同事並談上戀愛,卻求婚失敗。今次重遊舊地,下榻於咖啡廳附近的旅館,嘗試尋回舊相好,於是在旅館寫信、寫日記,希望舊女友能收到這些情書。在等待的日子,也一如洪的作品,男的總會搭上別人,今次加瀨亮就搭上「自由之丘」的老闆娘文素利(她的《愛的綠洲》讓她成為威尼斯影后),二人沒有至死不渝,歡愉過後,心有點牽掛,但又繼續上路。 《自》片來得輕巧自若,除了因角色處理感情之事的方式,更是因為電影的拍法。今次的書信也交代了不同時空,靈活跳脫,行雲流水,再加上角色絕不會過度沉溺於自己世界,傷春悲秋;每每碰壁撞板,都是今朝有酒今朝醉,所有煩惱都屬浮雲,片中的加瀨亮,這位異鄉人發生了不少文化衝突、語言障礙的趣事和笑料,儘管有情人未必能下下終成眷屬,但觀眾就隨著角色的人生態度(也是導演的人生態度)浮浮沉沉、嘻嘻哈哈,眨眼間便瞇瞇笑的度過了一齣電影的時間,我們人生的一個段落。 麥聖希 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-05-18

今年的日本電影頗為強勁,三部參展作品,全屬康城常客,各具特色,其中兩部《海街少女日記》(Our Little Sister)和《澄沙之味》(AN),更在同一天作世界首映(尚欠黑澤清的《岸邊之旅》,Journey to the Shore),同異共存。 是枝裕和的《海街少女日記》,清新雋逸,每格菲林都美得交關,不論是四姊妹的臉孔,還是她們的鄉郊舊居,起居飲食,都甚有日本風味,再加上長澤雅美的性感演出,哈日影迷一定滿足。今次是枝裕和要重拾日本傳統價值觀,大有小津電影的味道,流露出人性的真善美。四姊妹性格迥異,大姐綾瀬遙踏實穩重,擔當母親的角色;二姐長澤雅美率直爽朗,情路上跌跌碰碰;三妺品味獨特,專挑造型古怪男友;四妹年紀輕輕,但出奇地沉實世故。四人的感情,就是通過生活逸事,慢慢建立起來。儘管沒有《誰調換了我的父親》的反思性,但從視覺到情懷,《海街》自成一體,有種獨特的生活美學。 無獨有偶,河瀬直美的《澄沙之味》,也有種回歸傳統的感覺。通過製造豆沙餅的過程,身患麻瘋的樹木希林,遇上要逃避過去的永瀨正敏,二人從相識時的隔膜,到離別時的默契,雖平實但窩心。河瀬今次沒有《第二扇窗》的野心,但仍對生死、救贖、老嫩對照甚有興趣,而今次罕有地用上大量近鏡,大抵要凸顯兩位主角的演技,結局是對生命的頌讚,有力動人。   麥聖希 香港及北京百老匯電影中心負責人。愛電影,搞影展,寫影展。  

2015-05-15

每年康城公布的賽果,很視乎評審的口味,而評審團的組合,亦自然會影響賽果。由那位導演當評審主席、有多少女性代表、有沒有亞洲臉孔等,都是關鍵因素。 今年9位評審當中,有4位是女性,男女比例算是比較平均的一屆。此外,有4位是演員,若果把薩維亞杜蘭這位會導會演的加起來,其實今屆的演員數目更佔4.5個,剛好是一半。但導演方面,高安兄弟基本上屬一個單位,其中的歌手填詞人更不是電影專業,真正的導演就只有高安、墨西哥的Guillermo del Toro和杜蘭3位(蘇菲瑪素只是兩部電影導演,不算吧),以康城這個以導演先行的影展,演員比例偏多,所以不少人揣測,今年的賽果將會不甚了了,或許演員獎會有多番討論,但電影本身的討論則可能會欠奉。 當然,這亦反映了現今影展以演員掛帥,靠明星效應宣傳的做法。同樣地,今年影展的海報(過去幾年亦然)也是明星做主角——英格烈褒曼。這位《北非諜影》的神級女星,也是一眾評委的至愛,蘇菲瑪素說:「很榮幸能夠做康城評審,和一些漂亮的面孔一同工作,一定會活力充沛,尤其是在英格烈褒曼的海報下談電影!」Guillermo del Toro更說,看到她的臉,令他想起希治閣的電影,典雅得來甚具星味,但又帶隨和的感覺,現在已很難找到了。而主演《斷背山》的積基倫賀更打趣說:「我父親是瑞典人(與褒曼一樣),所以我跟她都有點關係,媽媽更託我攞張海報給她作紀念,太美了。」 香港及北京百老匯電影中心負責人。愛電影,搞影展,寫影展。

2015-05-13

又返嚟囉。 每年一度,重遊舊地,又是充滿電影能量的時候。康城之所以六十多年屹立不倒,聲勢愈做愈大,除了天時地利,在5月南法陽光充沛的海灘旁舉行之外,更有紅地氈、有艷星、有真影星、有狗仔隊、有炒作等的人為因素,加加埋埋,成就了它成為全球最強的影壇盛事,吸引萬千眼球的關注。 當然,外圍的因素尚是其次,重點的還是電影。每個影展都有它的風格和個性,辛丹斯是美國獨立電影的搖籃,年輕不拘束;韓國的釜山電影節,匯聚亞洲年輕新導演,活力非凡,極具視野和前瞻性,而康城這位老大哥,雖不是歷史最悠久的影展(是威尼斯影展),但選片嚴謹不賣帳,以藝術性和人道主義先行,能夠參賽的作品未必能部部賣座,但其內容或手法必有其獨特或創造性之處,不管是挖掘人性深處的土耳其作品,大膽描述女同性戀情愛性事的法國電影,又或者觸及人鬼生死輪迴的泰國實驗電影,全都均有其在藝術範疇上的立足之處。 今年的康城,就在今晚的盧米埃影院進行開幕儀式,揭起一連12天的影展帷幕,向全世界的影迷展示最優秀的藝術電影。聽似為它臉上貼金,但今年的競逐名單甚具來頭,網羅多位過去曾與最高榮耀的金棕櫚大獎擦身而過的導演,包括意大利的Paolo Sorretino及Matteo Garrone;法國的Jacques Audiard及Maiwenn;以及亞洲的侯孝賢、賈樟柯及是枝裕和,還有近年在影展冒升得挺快的希臘導演Yorgos Lanthimos,挪威的Joachim Trier,只要他們全在狀態,絕對是有條件和能力贏出的導演。 有前輩說過,康城就是華山論劍,比試一下來自世界各地的電影人的最新作品,觀摩大家的拍片技巧和電影世界觀,以戲論戲,以電影會友。影展的精神,大抵不過於此。 香港及北京百老匯電影中心負責人。愛電影,搞影展,寫影展。

2015-05-08

薩維杜蘭(Xavier Dolan),加拿大人,出生於魁北克市,母語是魁北克法語。出道時一鳴驚人,首齣作品《殺死我阿媽》(I Killed My Mother),自編自導自演,獲邀參展康城的「導演雙周」,口碑載道,更摘下歐洲藝術獎,時值19歲。其後的作品,差不多全都獲邀參展康城影展的官方放映,是飲康城奶水長大的嫡系新晉導演,風頭一時無兩。他去年更憑《慈母多惡兒》(Mommy)勇奪康城特別評審團大獎,與法國國寶級導演、現年84歲的高達(《告別言語》)平分秋色,雙雙獲得同一獎項,一老一嫩,甚有薪火相傳意味,成為一時佳話。而下星期即將舉行的康城影展,他便是評審團上的座上客之一,是康城影展六十多年來最年輕的評審。康城對他的器重,可見一斑。 言論加分 薩維杜蘭極受追捧,深受影迷愛戴,同時因為他的一張俊臉。個子不高,但容顏值爆燈,委實是一副明星相,所以他除了演出自己執導作品,更有參演其他導演的電影(最新參演作品是《愛的幻「象」》)。拍廣告、做模特兒、登上時裝雜誌封面,杜蘭瞬間成為年輕一族、美貌與才華並重的代表人物,而其言論:年少時對里安納度狄卡比奧的迷戀,以粉絲身份寫信表達傾慕之意的舉動,以及去年在康城從珍甘比茵手上獲獎的感謝辭(內容是指啟發他要拍電影的,正是珍甘的《鋼琴別戀》),都為他的形象加分,繼續增強光環,增添被談論的話題。   深刻的愛 到目前為止,杜蘭執導的電影有5部,產量不算多,但差不多一年一部,算密,而質量總在水準之上,則屬難。現在香港舉行他的回顧展,叫「不可能的愛」,正好點出他的作品的共通主題,從首作《殺死我阿媽》到新作《慈母多惡兒》都寫出了深刻的愛,哪管是母子、男女抑或男男之間的愛情或愛慕,都不是信手拈來的愛訂終生。《我》片中,母子的鬥嘴角力成為他與男友的阻力,面對阿媽,又愛又痛;在《心跳》(Heartbeat)中,男女閨密同時愛上一個美男,重色輕友好,抑或要義氣不要同性好?左右手,如何是好;來到《愈傷愈愛》(Laurence Anyway),男主角愛易服愛女裝,偏偏被愛得最真最深的,卻是要好的女朋友,在情路上跌得遍體鱗傷,回家終有妳療傷;《基密農場》(Tom at the Farm)中,主角男友未開場已經死了,換來的是死鬼男友的「衣櫃裡的阿哥」,神經兮兮、苦苦癡纏;至於《慈母多惡兒》的母親,面對極度躁狂的兒子,嘗過過山車的歡樂高峰,但轉頭又跌進低迴千百轉,高高低低,這就是人生。 杜蘭的電影裡,每對角色、每個對手都很努力地愛,但換來的,卻是一次又一次的沮喪,是現世戀80後的真情寫照,是成長於自拍年代、愛玩selfie的你和我,以及他他他的一面鏡子。面對感情,我們見到的,只有自己。 麥聖希 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-04-24

 《狗眼看人間》都可算是齣奇片。首先,別以為它是《小Q》,它沒有日本導盲犬般温情洋溢、聲淚俱下的情節,相反,戲中的狗由家犬變成惡犬,會咬人、會鬥狗,更會群起反抗,屬小心有牙、避之則吉嗰種。第二,驟眼看來,它是人狗關係的愛恨寫照,但很明顯,它要說的還有更多、更具象徵意義。 《狗》片骨子裡就是關於權力與抗爭、階級的角力,而它的形式又有點像類型片的拍法,有緊張、煽情的部分,音樂和剪接的運用,更是驚煽你唔起的牽引觀眾情緒,營造緊湊的劇力,以商業閙劇的框架,去包裝思考藝術型的內涵,邊看邊思考,重點全在畫面以外,意在弦外。   導演神乎奇技 開場一段煞有《28日後》的況味。一座空城,一個少女踏著單車似在尋找甚麼,接著幾個鏡頭便開始有狗殺出,追截她。究竟為甚麼這個城市空無一人?為甚麼有數十隻狗追擊她?這些疑團吊足癮,謎底沒有這麼快揭開。該片故事發生在正常不過的日常生活中,主角是13歲的莉莉,與愛犬哈根在公園玩樂,之後便是她的母親要出差,將她和狗暫時搬到前夫家裡住,但前夫的大廈不能養狗,尤其是這種雜狗,如她所說:「牠不是匈牙利種。」結果,哈根便輾轉流落到街頭,與其他流浪狗混在一起,還差點被捉狗隊生擒,但最終還是被鬥狗場的狗主收買,磨牙、練牙、跑步及打針,被全方位訓練為黑市鬥狗,而那邊廂,女主人莉莉則在思念哈根的前提下,繼續彩排演奏,情竇初開,鍾情於隊友。  這樣的情節,看似沒兩樣,但妙在導演把這些狗拍得像人一樣,除了感情豐富,迷惘、惶恐、無奈、溫馴及兇狠,全在鏡頭裡活現,而鏡頭的視點,也很多時從牠們的角度出發。狗眼看人間,被人類利用和出賣,而最弔詭的還是哈根,導演神乎奇技的將牠拍成群狗首領,恰如將軍般策動一場反人類革命,向曾經虐待牠的人類報仇,結局一場百多隻流浪狗破閘而出,以喪屍出籠的姿態橫掃空城,雞吠不寧,人心惶惶,全城宵禁。   要談判 先要權力平等 這些狗,從一開始就是被人類唾棄的動物,像人類社會被遺棄的一群般,不斷受到壓迫而爆發終極反抗,是權力階層的惡夢。英文片名「White God」,其實早已諷喻,主宰人類的神是白人,是集雙重權力的中心(宗教和種族),而戲中被遺棄的流浪狗,一如現代社會中被邊緣化的人群,他們可以是外地移民、無產階級,永遠站在小眾的位置,受到剝削,但導演奉喻,他們極地反擊的力量,絕對不容小覷,而結局除了莉莉以一敵百狗,場面震撼之外,她那伏地投降一招,連群狗也放下敵意模仿,象徵著,只有權力平等,才有談判空間。 這樣的寓意,全沒有用文字或具體情節直接表達,寓意之高,實是高手才能及,難怪影片去年便摘下康城「一種關注」大獎,而它的寓意放在今天社會及今天的香港,絕對能身同感受。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。  

2015-04-17

的而且確,面對一個人的離世,有人選擇痛哭一場,有人選擇收埋自己,但相信很少人會選擇打扮成死者生前的樣子,藉以延續他在人世的時間。 《女朋友的女朋友》就出於這樣的一個前提,羅拉病逝,遺下了女兒、丈夫和閨密,他們如何克服她的離去?閨密傷心欲絕,曾許下承諾要照顧她的女兒和丈夫,但自己卻深陷低谷,試圖重新做人;而她的丈夫大衞則選擇了塗口紅、戴假髮,以及穿上她生前的長裙,亦即是說,他變成了她。 探索情感多面性 一開始,大衛是有種愛得入深入肺,轉化成病入膏肓的狀態,打扮成逝去愛人去照顧嬰兒,感動極至,但發展下去,其實就是丈夫一直存在的易服癖。當他和太太羅拉一起時,如他所說,易服癮就自然的壓抑下去,但當太太逝世,一個星期後心癮又浮現了。一次巧遇,被閨密撞個正着,她起初是震驚,後來又漸漸接受了大衞的「興趣」,而大衞得到這前所未有的信任,他便乾脆變成為其女性身維珍莉亞,偶然以女兒身身份與太太的閨密出雙入對,表面上看來是一同克服喪失摯愛的悲痛,但實際上,他/她們的關係已經超越了一般的友誼。究竟他/她們是好姊妹,還是已經變成情侶?成為小三?《女》片導演奧桑在電影中不斷模糊了這條界線,要觀眾拋開世俗眼光和歧見,跟著劇情走,去檢閱現代情慾和人際關係,不斷打破既定框架,探索情感的可能性。 首先,大衛雖然愛穿女裝,一身女兒身的裝扮給他每日無比自信和喜悅,但他不是同志,也沒有變性,在床上,他徹底的喜歡女性。其次,閨密喜歡的是大衞還是維珍莉亞?戲中一場,2人陷入越軌偷情的邊緣,裝上維珍莉亞的大衛快要更進一步的時候,閨密一手伸到大衛胯下,猛然醒覺道:「你不是女人」,之後便拂袖而去,留下維珍莉亞淚流披面。那即是說,儘管劇情上她是有夫之婦,但她對女性仍有性趣?她喜歡的是易服後的維珍莉亞而非大衛?電影首5分鐘以快速剪接,交代了閨密與患病羅拉的關係,同時也帶出閨密一直妒忌羅拉跟男友的關係,女女情誼,躍然紙上。 回歸早期風格 奧桑的電影,一直都有懸疑希治閣元素,尤其是出道時的短片和早期的《挑逗性謀殺》、《8美圖》及《泳池謀殺案》,今次有點回歸早期的風格和題旨,從音樂、光影、鏡頭以至劇情及夢境,都營造出點點懸疑和驚慄,再在內容上扭轉情慾的既定邏輯,要觀眾一同探索愛與慾的多面性、可能性。而導演對一切布局的結果安排,情節表面上是大團圓、皆大歡喜結局,但象徵的,更是一個沒有標籤的摩登家庭的組成,大衞又好,維珍莉亞又好,是他抑或她,統統都不緊要,重要的是,2人可以走在一起,邁向禁色的國度。 之前是電影文字人,現在是電影推廣人以及大小影展搞手。生活冇電影會身痕。

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